Форум » Программы » Билет 15 » Ответить
Билет 15
sectumsempra: Билет 15 1. Художественные средства в украшении византийского храма. 2. Творчество И.-С. Баха как вершина музыки барокко. 3. Опознать памятник искусства 1. Еще в Византии сложился единый порядок украшения храма росписями. Верхняя часть храма – купол, световой барабан, своды – олицетворяла небо, где пребывали Бог и ангелы. Это пространство считалось сакральным (священным) и заполнялось соответствующими персонажами. В центральном куполе находилось поясное изображение Спаса Вседержителя. Христос в одной руке держал книгу законов, а другая была поднята в благословляющем жесте – воплощение Небесного Царя и Судии. Ниже, в простенках подкупольного барабана, изображали пророков или апостолов. Еще ниже – в парусах арок, поддерживающих барабан, – четырех евангелистов. Росписи верхней части храма представляли собой образ Церкви Небесной, воплощением которой был Христос. Композиции в алтаре ассоциировались с Церковью Земной, олицетворением которой считалась Богоматерь. Поэтому в верхней части центральной апсиды помещали изображение Богоматери Оранты (от лат. orans – молящийся), стоящей в полный рост, с руками, воздетыми вверх. Ниже художники воспроизводили композицию "Евхаристия" – Христос, причащающий апостолов хлебом и вином. Еще ниже находилась галерея святителей– отцов православной церкви. Средняя часть храма – стены и опоры – символизировала Землю. На северной и южной стенах располагались сюжеты жития святого, которому посвящался храм. Росписи тянулись несколькими горизонтальными рядами. Рассматривать их лучше последовательно – слева направо, сверху вниз, начиная с юго-восточного угла храма. На столбах чаще всего изображали мучеников – "столпов евангельского учения". Особое внимание в росписях храма уделялось западной стене. Издревле здесь находилась композиция "Страшный суд". Главное место в ней отводилось восседающему на троне верховному Судие – Христосу. Слева и справа от него – Богоматерь и Иоанн Креститель, ангелы и апостолы. Перед троном стояли коленопреклоненные прародители человечества, первые грешники Адам и Ева. Ниже изображения Христа виден престол. На нем – орудия страстей господних, его одежды и "Книга бытия", в которой записаны все слова и дела человеческие. Под престолом – весы как "мера дел человеческих". Рядом с ними – ангел и черт. Почти всю композицию по диагонали пересекает огромный змей – символ греха. Его голова находится у ног Адама, а хвост спускается в Ад. На тело змея надеты кольца с названиями тех мытарств, которые суждено пройти грешникам. В нижней части композиции, справа изображен Ад. В его кровавом пламени на чудовищном звере сидит Сатана с душою Иуды в руках. В левом нижнем углу – Рай, к воротам которого спешат праведники под предводительством апостола Петра. Посредине между Адом и Раем – одинокая человеческая фигура, прикованная к столбу. Это "милостивый блудник". За свою милостыню он избавлен от Ада, но за блуд лишен Царствия Небесного. Как видите, схема росписи храма сложна. Она отражает многие религиозные идеи. Прежде всего представление о храме как о божественном творении – космосе, где в иерархическом подчинении находятся мир небесный, "горний" и мир земной, "дольний" со своими обитателями. На стенах храма развернуты картины священной истории Ветхого и Нового заветов. Не случайно храмовую живопись в средние века называли "Библией для неграмотных", а композиция "Страшный суд" .должна была вселять в сознание верующих убеждение в неизбежности соответствующего воздаяния как за праведную, так и за греховную жизнь. Софийские самоцветы На Руси, как и в Византии, знали два способа украшения храмов священными изображениями – мозаики и фрески. Только пять древнерусских храмов были украшены мозаиками и лишь в одном, киевской Софии, они сохранились. Дело в том, что мозаика – очень сложная и дорогостоящая техника живописи. После распада Киевской Руси ее перестали использовать, а после монголо-татарского нашествия и вовсе забыли. Только в середине XVIII в. русская мозаика была возрождена усилиями М. В. Ломоносова. Русских мастеров познакомили с мозаикой византийцы. Еще в VI в. они широко применяли ее в украшении храмов (знаменитые мозаики церкви Сан Витале в Равенне). Техника изготовления мозаики была такова. Исходное сырье – смальту (цветное стекло) – выплавляли в специальных стеклодельных мастерских. В стеклянную массу добавляли окислы различных металлов, чтобы придать смальте окраску. Ремесленники, изготовлявшие смальту, ценились в средние века наравне с мозаичистами – теми, кто выкладывал из нее изображения. По окончании строительства храм не сразу украшали мозаиками и фресками. Ему давали высохнуть в течение года, а то и дольше. Затем с наступлением тепла начинали мозаичные работы, стараясь закончить их за один сезон– с мая по сентябрь. Стены и своды здания метр за метром в несколько слоев покрывали цементирующим раствором. Поверх него наносили рисунок, по которому мозаичисты вдавливали в раствор кубики смальты. Размеры кубиков зависели от характера изображения и его расположения. Так, например, огромная фигура софийской Оранты, расположенная высоко над уровнем пола, выложена достаточно крупными кусочками смальты. А вот голова архидиакона Лаврентия из святительского чина набрана из мелких кубиков, так как находится значительно ниже. Представьте, какую трудоемкую и кропотливую работу проделали мастера, если на 1 кв. дм площади изображения порой приходилось около 400 кусочков смальты. Самое ценное качество мозаики – светоносность. В дневное время лучи солнца, проникая через окна в храм, зажигали мозаику, и она искрилась всеми цветами радуги. И это не преувеличение. У смальты киевской Софии 177 оттенков различных цветов. Среди них 34 – зеленого, 25 – коричневого, 23 – желтого, 21 – синего и даже 25 – золотого. Во время вечернего богослужения при мерцающем свете лампад и свечей мозаики горели мистическим огнем. Казалось, будто оживают древние изображения. Кстати, мастера специально вдавливали кубики смальты в цемент под разными углами, чтобы игра цвета и света была богаче. Мозаика и фреска относятся к монументальной живописи, где действуют особые художественные законы. Изображения больших размеров приходится рассматривать со значительного расстояния. Художнику-монументалисту нельзя "мельчить форму", т. е. изображать мелкие детали, поскольку на большом расстоянии они попросту не видны. Кроме того, надо делать поправку на ракурсные сокращения, ведь равные по величине части изображения на различной высоте по-разному уменьшаются в размерах: чем выше, тем больше. Именно поэтому, помещая 5-метровую Оранту на высоту в 4 м, византийский мозаичист сделал ей непропорционально большую голову с крупными чертами лица. Правда, переусердствовал – фигура Богоматери получилась несколько тяжеловатой. Крепкими, приземистыми с крупными ступнями ног и кистями рук кажутся и фигуры апостолов в композиции "Евхаристия". Видимо, таков был эстетический идеал мастеров, украшавших Софийский собор мозаиками. Было их, предположительно, восемь. Самый талантливый из мастеров создавал святителей, наделяя каждого особой выразительностью. Наиболее удался образ Иоанна Златоуста. Его особенно почитали в Византии. Иоанн – подлинная историческая личность. В начале V в. он был константинопольским патриархом и зарекомендовал себя как честный, справедливый человек, гневный обличитель пороков византийской знати. Выдающийся богослов и оратор своего времени, он заслужил прозвище Златоуст. Софийский мастер, без сомнения, знакомый с трудами Иоанна, представил его мыслителем с высоким лбом, запавшими щеками аскета и проникновенным взглядом темных глаз. 2. Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach, 1685–1750) — немецкий композитор, органист. При жизни славился как органист и клавесинист; его композиторское творчество воспринималось современниками в связи с практической деятельностью, протекавшей в типичной для музыканта 17–18 вв. обстановке церкви, двора и города. Детские годы провёл в Эйзенахе, в 1695–1702 учился в Ордруфе и Линебурге. В 17-летнем возрасте играл на органе, клавире, скрипке, альте, пел в хоре, был помощником кантора. В 1703–07 органист Нойкирхе в Арнштадте, в 1707–08 органист Блазиускирхе в Мюльхаузене, в 1708–17 придворный органист, камер-музыкант, с 1714 придворный концертмейстер в Веймаре, в 1717–23 придворный капельмейстер в Кётене, в 1723–50 кантор Томаскирхе и городской музик-директор в Лейпциге (1729–41 глава Collegium musicum). Бах — один из величайших представителей мировой гуманистической культуры. Творчество Баха, музыканта-универсала, отличающееся всеохватностью жанров (кроме оперы), обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма. Ярко национальный художник, Бах соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ. Для Баха, непревзойдённого мастера полифонии, характерно единство полифонического и гомофонного, вокального и инструментального мышления, чем объясняется глубокое взаимопроникновение различных жанров и стилей в его творчестве. Ведущий жанр в вокально-инструментальном творчестве Баха — духовная кантата. Бах создал 5 годовых циклов кантат, которые различаются по принадлежности к церковному календарю, по текстовым источникам (псалмы, хоральные строфы, «свободная» поэзия), по роли хорала и т. д. Из светских кантат наиболее известны «Крестьянская» и «Кофейная». Выработанные в кантате драматургия, принципы нашли претворение в мессах, «Страстях». «Высокая» месса h-moll, «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею» стали кульминацией многовековой истории этих жанров. Центральное место в инструментальном творчестве Баха занимает органная музыка. Синтезируя унаследованные от своих предшественников (Д. Букстехуде, И. Пахельбеля, Г. Бёма, И. А. Рейнкена) опыт органной импровизации, разнообразные вариационные и полифонические приёмы сочинения и современные ему принципы концертирования, Бах переосмыслил и обновил традиционные жанры органной музыки — токкату, фантазию, пассакалью, хоральную прелюдию. Исполнитель-виртуоз, один из крупнейших в своё время знатоков клавишных инструментов, Бах создал обширную литературу для клавира. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «Хорошо темперированный клавир» — первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже 17–18 вв. темперированного строя. Величайший полифонист, в фугах ХТК Бах создал непревзойдённые образцы, своего рода школу контрапунктического мастерства, что нашло продолжение и завершение в «Искусстве фуги», над которым Бах работал на протяжении последних 10 лет жизни. Бах — автор одного из первых клавирных концертов — Итальянского концерта (без оркестра), полностью утвердившего самостоятельное значение клавира как концертного инструмента. Музыка Баха для скрипки, виолончели, флейты, гобоя, инструментального ансамбля, оркестра — сонаты, сюиты, партиты, концерты — знаменует значительное расширение выразительных и технических возможностей инструментов, обнаруживает глубокое знание инструментов и универсализм в их трактовке. 6 Бранденбургских концертов для различных инструментальных составов, претворившие жанровые и композиционные принципы concerto grosso, явились важным этапом на пути к классической симфонии. При жизни Баха была опубликована небольшая часть его произведений. Подлинный масштаб гения Баха, оказавшего сильнейшее влияние на последующее развитие европейской музыкальной культуры, начал осознаваться лишь спустя полвека после его смерти. Среди первых ценителей — родоначальник баховедения И. Н. Форкель (опубликовал в 1802 очерк жизни и творчества Баха), К. Ф. Цельтер, чья деятельность по сохранению и пропаганде наследия Баха привела к исполнению «Страстей по Матфею» под управлением Ф. Мендельсона в 1829. Это исполнение, имевшее историческое значение, послужило импульсом к возрождению творчества Баха в 19–20 вв. В 1850 в Лейпциге было образовано Баховское общество. [url=http://music.privet.ru/user/sectumsempra_471/file/324332094?backurl=http://music.privet.ru/user/sectumsempra_471/album/277330958?page=2]Для закрепления послушайте передачу[/url]
Ответов - 0
полная версия страницы